Grietas en la Tate Modern

En octubre de 2007 a raíz de la exposición en la Tate Modern de Londres, cuyo tema principal se centra en la obra de la escultora colombiana Doris Salcedo; Shibboleth
(2007-08).

Tate Modern (Londres)

La autora colombiana Doris Salcedo, nacida en Bogotá en 1958 centra su obra en la crítica social, política y económica ante la separación existente entre los seres humanos. Se caracteriza por dar gran protagonismo a los inmigrantes y extranjeros, así como las injusticias sociales dotando a sus obras de un cierto carácter trágico ante el sufrimiento de las víctimas.

La obra en sí corresponde al llamado “arte conceptual”, basado en ideas. El espectador tiene que pensar sobre el contenido de la obra, lo que intenta expresar y transmitir. En este caso, si el espectador o cualquier visitante del museo va andando por allí, se encontrará con un montón de extrañas grietas en el suelo que a simple vista resultan incluso desagradables. Pero puede que esa sea también una de las finalidades de la obra, el desagrado inicial de la persona que la contempla, el sentimiento de temor al ver el suelo rasgado se hace equiparable con la angustia vivida por los inmigrantes en un país extraño, el miedo a lo desconocido, el temor de que el suelo se habrá en comparación a que la distancia entre los seres humanos cada día se incremente más.

De esta manera no se hace importante saber cómo se ha hecho, ni con qué, lo importante es el sentimiento que provoca, hacer pensar al espectador y transportarlo a la angustia vital sentida por muchas personas que ven como esa grieta simulada existe de verdad en sus vidas.

Lo realmente importante es lo que la obra quiere expresar fuera de convencionalismos, de belleza y de agrado visual al contemplarla. De hecho es una obra en la que las personas participan activamente cuando pasean por allí, la pisan, la ven, la sienten.

Por tanto, obras así se hacen importantes ya que hacen pensar al que las ve, en este sentido, Salcedo es una famosa autora de obras de carácter social con Latinoamérica como protagonista.

En 2002 por ejemplo, colocó 280 sillas en la fachada del Palacio de Justicia de su ciudad natal como símbolo de homenaje a las víctimas mortales del asalto de un grupo de guerrilleros en 1985 en ese mismo edificio.

En Turquía, en 2003 volvió a hacer algo parecido colocando 1550 sillas como símbolo de los inmigrantes que contribuyen a la economía mundial. Y desde 1999 expone sus obras en Londres.

Turquía

Estudió Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Posteriormente sus obras han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, además ciudades como Londres,  París o Madrid han recogido anualmente algunas de sus más famosas exposiciones. En la actualidad es de los más importantes artistas contemporáneos.

Entre 1987 y 1988 dirigió la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Bellas Artes de Cali. Además de haber sido becada por la Fundación Guggenheim. Con lo que es considerada de gran importancia en el panorama artístico.

Doris Salcedo

Podemos compararla con otros autores de arte conceptual como Duchamp (1917) y su manera de cuestionar la naturaleza del arte,  Christo (1962) y Manzoni (1962) con su ironía, Yoko Ono (1964) publica un libro basado en una serie de instrucciones sobre cómo obtener la experiencia estética,  y Kosuht (1965) con sus diferentes versiones sobre lo que es una silla, vista, leída y usada.

Duchamp

Christo



Manzoni



Yoko Ono



Kosuth

El arte conceptual podría entenderse así como el movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante si cabe que el objeto en cuestión que preside la obra de arte y del sentido con el que se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos como los visto anteriormente, la idea es la obra en sí misma.

El arte conceptual surgió en mitad de los años sesenta, en parte como una reacción frente al formalismo reinante desde hacía siglos. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo de Marcel Duchamp serviría como punto de partida de este nuevo arte. Así, los artistas conceptuales elaborarían las primeras obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso cotidiano.

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden hallarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra Mundial, mientras se daban grandes intercambios culturales entre los países europeos además de Estados Unidos y Japón.

Aunque fue en la pintura donde se centraron las vanguardias. En EEUU,  la pintura se transformó con objetos cotidianos y eventos fortuitos, de esta manera se cuestionó su situación privilegiada. En Japón, tuvieron gran relevancia las obras basadas en la performance, el informalismo y la “action painting” como elementos de agitación social. La intención principal sería la destrucción de la idea de pintura clásica. Se desarrollo así un interés por el arte efímero y lo inmaterial que desembocaría en el actual “arte conceptual”.

Action Painting

3.      Conclusiones:

Esta obra, como se ha mencionado anteriormente, intenta mostrar la angustia vital que produce el no saber qué va a ocurrir, intenta mostrar la veta cada vez más abierta en la tierra que se va separando poco a poco y que si encuentra algo sobre ella, se lo tragará. Muestra así un paralelismo con la idea de vacío espiritual que puede sentir el ser humano en el mundo actual, y más aun cuando se encuentra solo en un paraje hostil como podría ser el desierto. Puede ser equiparable, ya que el desierto no es nuestro medio habitual, no está hecho para la vida humana, cuesta mucho adaptarse a él, de igual manera que el inmigrante debe adaptarse a las condiciones de un lugar que puede ser tan duro como un desierto, en el que se encontrará con contracciones como en el desierto; frio nocturno y calor diurno así como esperanza por un lugar mejor y desaliento al ver que todo sigue igual en el nuevo lugar de asentamiento que en su lugar de origen.

La grieta como la tierra seca de los desiertos y los parajes en los que no llueve que forman en el suelo surcos quebradizos.

La idea de grieta sin fondo, de abismo, asomarse a ella y no ver nada, no saber qué hay más allá, no saber qué pasará al igual que desconocemos de qué materiales está hecha ni de cuál ha sido su proceso constructivo.

Es evidente que el arte conceptual, y más concretamente esta obra no puede compararse a nivel técnico con obras clásicas, esculturas griegas, pinturas barrocas, a nivel de ejecución, en su calidad, su precio actual, su valoración y lo más importante; su concepción social. Es extraño que alguien no valore positivamente la calidad artística de un cuadro como Las Meninas, de una escultura como El Laoconte, es más discutible en cambio, y encontraremos más diversidad de opiniones, en obras como esta grieta.

Las Meninas



Laoconte

Muchos no lo considerarán arte, otros tantos no la entenderán, en eso consiste el arte conceptual, en hacernos pensar y aquí radica su importancia. Ya que la evolución humana hace que seamos capaces de pararnos ante una obra y no solo admirarla artísticamente sino también admirar su contenido social, que será en un futuro reflejo de nuestra sociedad.

Ya que la inmigración es algo de actualidad, cuando pasen los años los nuevos integrantes de la sociedad podrán conocer a través de estas obras cómo era la mentalidad de nuestros tiempos, cuáles eran las preocupaciones y los principales problemas. A lo largo de los siglos se ha ido evolucionando artísticamente hasta llegar a la perfección, y es comprensible que los nuevos artistas no quieran tan sólo imitar lo ya hecho anteriormente, sino que, aparte de pintar o esculpir bien quieran transmitir un mensaje al espectador.

De esta manera, Doris Salcedo intenta hacer ver a los visitantes del Tate Modern que la separación entre ricos y pobres, puede representarse a través de una grieta en el suelo. Que la angustia vital de no saber qué pasará en el futuro puede reflejarse en una grieta sin fondo y que la inmigración como problema actual en nuestra sociedad puede equipararse a la grieta que separa a los seres humanos.

Esta obra se asemeja a la tierra seca donde no llueve, la lluvia sirve de esperanza, un terreno seco no sirve para nada, no lleva a ningún sitio al igual que la separación de la humanidad, que tampoco conlleva ningún beneficio. Quizás la intención de la autora fuera más simple de lo que imaginamos, puede que de manera simple quisiera representar la separación humana o quizás sea todo más complicado y un acto tan simple como quebrar el suelo esconda detrás algo más profundo de lo que podamos imaginar. El arte conceptual, en su apariencia simple puede ser realmente complicado de entender.